Женский дискурс в искусстве 1970-х
Концепция исследования
Фотография предоставлена стоковым ресурсом.
Феминизм — это не просто движение за права женщин, это глобальная борьба за равенство и справедливость, которая пронизывает все сферы жизни, включая искусство. На протяжении веков женщины-художницы сталкивались с дискриминацией, оставаясь невидимками в мире искусства, где доминировали мужчины. Однако, несмотря на эти препятствия, они находили способы выразить свои голоса и бороться за свои права через творчество. Их творчество стало не только отражением их личного опыта, но и мощным инструментом борьбы за равенство.
Введение феминистского дискурса в искусство началось задолго до 1970-х годов, но именно в этот период он достиг своего апогея. Вторая волна феминизма, начавшаяся в 1960-х годах, привела к радикальным изменениям в восприятии женской идентичности и роли женщин в обществе. Художницы активно использовали новые медиа, такие как фотография, видео и перформанс, чтобы выразить свои идеи и бросить вызов традиционным представлениям о женственности.
Сегодня феминистское искусство продолжает оставаться актуальным и влиятельным. Оно не только отражает текущие социальные проблемы, но и вдохновляет новые поколения художников на борьбу за равенство и справедливость. В этом исследовании я рассмотрю, как искусство женщин способствовало трансформации общественного сознания и борьбе за равенство.
Цель исследования — рассмотреть влияние второго феминистского движения на искусство 1970-х годов, выявить особенности женского художественного самовыражения и проанализировать, как женщины преодолевали существующие социальные и культурные барьеры
Фотография предоставлена стоковым ресурсом.
Я хочу продемонстрировать как зарождался женский дискурс, и как после его продолжали их последователи. Исследование направлено на выявление ключевых особенностей женского художественного самовыражения в этот период, на рассмотрение стратегий, которые женщины использовали для преодоления социальных и культурных барьеров, препятствующих их признанию и самореализации в мире искусства.
Вспомнить имена женщин 1970-х годов важно, потому что их вклад долгое время игнорировался или недооценивался. Вспоминая их, мы восстанавливаем справедливость и показываем их реальный вклад в развитие искусства, без которого невозможно полностью оценить историю искусства и его эволюцию. Феминистское искусство 1970-х годов стало отражением глубоких социальных изменений, и, вспоминая имена этих женщин, мы лучше понимаем, как искусство взаимодействует с социальными движениями и может способствовать трансформации общества. Их опыт служит источником вдохновения для современных художников и активисток, помогая находить новые пути для борьбы с дискриминацией и современными проблемами. Вспоминая их имена, мы можем лучше понять, как искусство может развиваться и адаптироваться к новым вызовам, что особенно важно в современном мире, где многие из тех же проблем, с которыми они сталкивались, продолжают существовать.
Аннет Мейерс
Аннетт Мейерс, родилась в Нью-Йорке в 1934 году. После себя она оставила значительный след в литературе, особенно в жанре детектива. Она искусно сочетала детективный жанр с историческими и психологическими элементами, а также использовала свой собственный опыт в качестве источника вдохновения.
Одним из её главных достижений — серия детективов. Серия «Смит и Ветзон» об охотниках за головами. Ксении Смит и Лесли Ветзон, которые сталкиваются с преступлениями на Уолл-стрит и Бродвее, стала одной из самых известных работ Мейерс. Лесли Ветзон, одна из главных героинь, берет свои черты с самой Аннетт Мейерс.
Серия романов «Оливия Браун», действие которых происходит в 1920-х годах в Гринвич-Виллидж, рассказывает о молодой поэтессе, вдохновлённой Эдной Сент-Винсент Миллей.
Серия исторических детективов «Голландец», написанная в соавторстве с её мужем Мартином Мейерсом под псевдонимом Маан Мейерс, исследует Нью-Йорк XVII, XVIII и XIX веков, демонстрируя её интерес к историческим периодам.
«Библиотека» — фотография из коллекции созданной Ксенией Мальковой в 2024 году.
Аннетт Мейерс также известна своими отдельными романами, такими как «Раскаяние» —психологический триллер, действия которого происходят в 1936 году в еврейской иммигрантской общине Нью-Йорка.
Её рассказы публиковались во многих антологиях, включая ежегодный сборник «Лучшие американские детективные истории», именно это стало для нее тем самым признанием её таланта и вклада в жанр детектива.
«Библиотека» — коллекция фотографий, созданных Ксенией Мальковой в 2024 году.
Аннетт Мейерс до сих пор активно участвует в различных профессиональных организациях, связанных с писательской деятельностью, включая «Сестры по преступлению», в которых она была президентом и Международную ассоциацию писателей-криминалистов. А ее произведения до сих пор востребованы и вдохновляют новое поколение писателей.
Саня Ивекович
«Люди за окном» — коллекция фотографий, созданных Саней Ивекович в 1979–2006 годах.
Саня Ивекович, родилась в 1949 году в Загребе. Её творчество, начавшееся в 1970-х годах, характеризуется новаторским подходом к видео, фотографии и перформансу, а также глубоким интересом к теме роли женщины в современном обществе. Ивекович стала первой хорватской художницей, что открыто заявила о своей принадлежности к феминизму.
«Работы сердца» — коллекция фотографий, созданных Саней Ивекович в 1974–2022 годах.
В работе «Dvostruki život» Ивекович сопоставляет фотографии из своей личной жизни с изображениями моделей из журналов, исследуя двойственность женского существования и давление социальных стереотипов.
В перформансе «Make Up — Make Down» она использует макияж как инструмент для создания и разрушения образов, подчеркивая искусственность и манипулятивность представлений о женской красоте.
«Работы сердца» — коллекция фотографий, созданных Саней Ивекович в 1974–2022 годах.
Ивекович также активно работала с темой насилия и травмы. Проект «Ženska kuća (Sunčane naočale)», начатый в 1998 году, представляет собой галерею гипсовых слепков лиц женщин, подвергшихся насилию. Так она желала напомнить о насилии, с которым сталкиваются женщины, и призывала к социальной ответственности и вниманию к теме, о которой порой стараюстся умалчивать.
В своих скульптурах Ивекович так же продолжает исследовать гендерные и политические темы, например ее статуя «Rosa Luxemburg», изображающая беременную Золотую даму — национальный символ Люксембурга, — что вызвала у многих шок и непонимание.
«Жемчужины революции» — коллекция фотографий, созданных Саней Ивекович в 2007–2010 годах.
Перформансы Ивекович, такие как «On the Barricades» и «Rohrbach Living Memorial», посвящены памяти жертв насилия и репрессий. В своих работах она привлекает добровольцев, которые выступают в роли статуй жертв, окружённых экранами с изображениями погибших, чьи глаза закрыты, стараясь такими методами подчёркнуть анонимность жертв и направить внимание наданную проблему.
«Макияж» — перфоманс, созданный Саней Ивекович в 1979 году.
Творчество Сани Ивекович оказало значительное влияние на феминистское искусство и борьбу за права женщин. Её работы, сочетающие личные и общественные темы, продолжают вдохновлять новое поколение художников и активисток, стремящихся к равенству и справедливости по сей день.
Нэн Голдин
Нэнси Голдин, родившаяся в 1953 году, стала одной из самых влиятельных фотографов современности, чьё творчество глубоко проникает в самые интимные аспекты человеческой жизни. Её работы, начиная с ранних экспериментов с различными сообществами и заканчивая монументальной «Балладой о сексуальной зависимости», отражают не только её личный опыт, но и социальные проблемы, с которыми сталкиваются люди на протяжении десятилетий.
«Нэн через месяц после избиения» — фотография из коллекции «Художник как субъект», созданных Нэн Голдин в 1984 году.
В начале своей карьеры, в 1970-х годах, Голдин погрузилась в мир дрэг-квин, живя с ними и фотографируя их. В отличие от других фотографов, которые стремились разоблачить или анализировать их образ жизни, Голдин восхищалась их смелостью и способностью к самовыражению. Она видела в них не просто «королев», а людей, которые смело бросают вызов традиционным представлениям о гендере и сексуальности. Эта работа стала основой для её дальнейшего творчества, в котором она продолжала исследовать темы идентичности и самовыражения.
«Автопортрет в поезде, Германия» — фотография из коллекции «Художник как субъект», созданных Нэн Голдин в 1992 году.
Однако настоящая слава пришла к Голдин в 1986 году с выходом «Баллады о сексуальной зависимости». Это слайд-шоу и монографическая книга стали не просто документом её жизни, но и мощным свидетельством эпохи, охваченной кризисом ВИЧ/СПИДа. В этом проекте она запечатлела свою «семью» — группу друзей и любовников, погружённых в постпанк и субкультуры Нью-Йорка. Каждая фотография в этой серии — это не просто момент, а целая история, полная боли, радости и уязвимости. «Баллада» стала не только личным проектом, но и важным социальным документом, который привлек внимание к проблемам, с которыми сталкивались некоторые люди на тот момент.
«Скинхеды с ребёнком, Лондон» — фотография, созданная Нэн Голдин в 1978 году.
Творчество Нэнси Голдин — это не просто фотографии, это истории, которые она рассказывает через объектив своей камеры. Её работы — это диалог о любви, потере, идентичности и социальных предрассудках. Она использует искусство как инструмент для создания диалога, который помогает нам лучше понять себя и окружающий мир. В её фотографиях мы видим не только красоту, но и боль, не только радость, но и страдание.
«Бритоголовый занимается сексом, Лондон» — фотография, созданная Нэн Голдин в 1978 году.
Сегодня Нэнси Голдин продолжает оставаться важным голосом в мире искусства. Её работы продолжают вдохновлять новое поколение художников, а её активизм в борьбе с опиоидной эпидемией демонстрирует, что искусство может быть не только формой самовыражения, но и инструментом для изменения мира.
Ханна Уилке
«Нагрудный знак» — перфоманс, созданный Ханной Уилке в 1980 году.
Ханна Уилке, родившаяся в 1940 году в Нью-Йорке, стала одной из самых влиятельных художниц-феминисток своего времени. Её творчество, охватывающее скульптуру, перформанс и фотографию, бросало вызов традиционным представлениям о женственности и сексуальности, а также исследовало темы идентичности и тела. Уилке использовала своё искусство как инструмент для борьбы с патриархальными стереотипами и утверждения женского голоса в мире искусства.
159 Скульптур с односторонним движением — перфоманс, созданный Ханной Уилке в 1978 году.
Одним из ключевых достижений Ханны Уилке стало создание новаторских скульптур, которые стали символом феминистского движения. В 1960-х годах она начала создавать вульварные терракотовые скульптуры, которые стали одними из первых откровенных вагинальных образов в искусстве. Эти работы, такие как серия «S.O.S — серия объектов для шрамирования», не только бросали вызов патриархальным нормам, но и утверждали право женщин на собственное тело и сексуальность. Уилке использовала нетрадиционные материалы, такие как жевательная резинка, чтобы подчеркнуть идею о том, что женщины часто воспринимаются как объекты, которые можно «выжать» и выбросить.
Портрет художницы Ханны Уилке со своей матерью Сельмой Баттер в 1978–1981 годах.
Перформансы Ханны Уилке также сыграли важную роль в её творчестве. В 1974 году она представила перформанс «Hannah Wilke Super-t-Art», в котором использовала своё тело как холст, приклеивая к нему скульптуры из жевательной резинки. Этот перформанс стал метафорой на тему женской красоты и её эксплуатации в массовой культуре. Уилке также исследовала темы шрамирования и травмы, связывая их с историческим опытом Холокоста и современными представлениями о женской идентичности.
«Искусство ради жизни» — картина, написанная Ханной Уилке в 1980 году.
Влияние Ханны Уилке на феминистское искусство и движение за права женщин трудно переоценить. Её работы стали символом борьбы за признание женского голоса и права на самовыражение. Она вдохновила новое поколение художниц, которые продолжают использовать искусство как инструмент для борьбы с социальными и политическими проблемами. Ханна Уилке оставила после себя богатое наследие, которое продолжает вдохновлять и вызывать дискуссии о роли женщины в обществе и искусстве.
Ширин Нешат
Ширин Нешат, родившаяся в 1957 году, является одной из самых известных иранских художниц, живущих в Нью-Йорке. Её творчество, охватывающее фотографию, видео и кино, исследует сложные темы, связанные с исламом, Западом, женственностью и мужественностью, а также общественной и частной жизнью. Нешат использует искусство как инструмент для борьбы с тиранией, диктатурой и угнетением, создавая произведения, которые служат выражением протеста и криком о помощи человечеству.
«Аида» — перфоманс при Зальцбургском фестивале, организованном Ширин Нешат в 2022 году.
Одним из ключевых достижений Ширин Нешат является её способность создавать произведения, которые одновременно бросают вызов стереотипам и создают мосты между культурами. В своих ранних работах, таких как серия «Женщины Аллаха» (1993–1997), она исследует представления о женственности в контексте исламского фундаментализма, используя персидскую каллиграфию для создания портретов женщин. Эти работы стали символом борьбы за права женщин в исламских обществах и привлекли внимание к сложным вопросам идентичности и женственности.
Ширин Нешат в процессе создания своих работ и на фоне своих фотографий.
Нешат также известна своими видеоинсталляциями, которые часто проецируются на две противоположные стены, создавая резкие визуальные контрасты между мужским и женским, светом и тьмой, чёрным и белым. В таких работах, как «Турбулентность» (1998) и «Восторг» (1999), она исследует темы желания, власти и подавления, используя музыку и звук для создания эмоционально насыщенных произведений, которые находят отклик у зрителей как восточной, так и западной культуры.
«Анна» — фотография из коллекции «Ярость», созданных Ширин Нешат в 2023 году.
В 2009 году Нешат дебютировала как режиссёр с фильмом «Женщины без мужчин», основанным на одноимённом романе Шахрнуш Парсипур. Этот фильм, получивший Серебряного льва на Венецианском кинофестивале, рассказывает о перевороте 1953 года в Иране и его последствиях для женщин. Нешат использует кино как средство для изучения исторических событий и их влияния на жизнь людей, особенно женщин.
Ширин Нешат в процессе создания одной из своих работ.
Творчество Ширин Нешат оказало значительное влияние на современное искусство, особенно в контексте феминистского движения и борьбы за права женщин в исламских обществах. Её работы продолжают вдохновлять новое поколение художников и активисток, а её голос остаётся важным в диалоге о правах человека и социальной справедливости.
Йоко Оно
Йоко Оно громко кричит в рамках перфоманса в Музее Современного Искусства в Луизиане, 2013 году.
Йоко Оно, родившаяся 18 февраля 1933 года, является одной из самых известных японских художниц, музыкантов и активисток. Её творчество, охватывающее перформанс, кинопроизводство и музыку, бросает вызов традиционным представлениям о женственности и искусстве, а также исследует темы мира, любви и социальной справедливости.
«Отрежь кусок» — перфоманс, организованный Йоко Оно в 1964 году.
Одним из ключевых достижений Йоко Оно является её вклад в развитие авангардного искусства. В начале 1960-х годов она познакомилась с нью-йоркскими художниками, в том числе с группой Флюксус, и начала создавать новаторские перформансы и инсталляции. Её работы, такие как «Картина, на которую можно наступать», бросали вызов традиционным представлениям о произведении искусства, делая его доступным и интерактивным. Она также стала известна своими концептуальными работами, которые исследовали темы желания, власти и подавления.
Грейпфрут. Обложка книги, издающейся в настоявшее время в Нью-Йорке.
Йоко Оно также известна своими музыкальными достижениями. В 1969 году она начала карьеру в популярной музыке, создав вместе с Джоном Ленноном группу Plastic Ono Band и выпустив ряд авангардных музыкальных альбомов. В 1980 году она добилась коммерческого успеха с альбомом Double Fantasy, который возглавил чарты и был записан в сотрудничестве с Ленноном за три недели до его убийства. Этот альбом получил премию «Грэмми» в номинации «Альбом года» и стал символом их совместной работы и любви.
«Line Piece» — часть шоу, организованного Йоко Оно в 2018 году.
Творчество Йоко Оно оказало значительное влияние на современное искусство и музыку. Её перформансы и инсталляции продолжают вдохновлять новое поколение художников, а её музыка остаётся актуальной и востребованной. Она также активно занимается благотворительностью и борьбой за мир, финансируя мемориалы и музеи, посвящённые памяти Джона Леннона, и внося значительный вклад в развитие искусства и культуры.
«Война закончилась (если ты этого хочешь)» — выставка, организованная Йоко Оно в 2013 году.
Ребекка Хорн
«Перьевые пальцы» — скульптура, созданная Ребеккой Хорн в 1972 году.
Ребекка Хорн, родившаяся в 1944 году в Германии, стала одной из самых ярких и влиятельных художниц современности. Её творчество, охватывающее перформанс, скульптуру, фотографию и видео, исследует сложные темы человеческой природы, двойственности и взаимодействия с окружающей средой. Хорн использует искусство как инструмент для самовыражения и исследования глубин человеческого разума, создавая работы, которые вызывают у зрителей глубокие эмоции и размышления.
«Маска с карандашами» — перфоманс, организованный Ребеккой Хорн в 1972 году.
Одним из ключевых достижений Ребекки Хорн является её способность создавать скульптуры, которые сливаются с окружающей средой и погружают зрителя в альтернативную реальность. Она использует различные материалы, такие как стекло, металл и органические материалы, для создания уникальных и сложных форм. Её инсталляции могут быть огромными, занимающими целую комнату, или нежными и хрупкими, требующими пристального внимания. Эти работы часто исследуют темы эволюции и взаимодействия человека с природой, создавая ощущение двойственности и противоречия.
«Павлинья машина» — скульптура, созданная Ребеккой Хорн в 1972–1982 года.
Хорн также известна своими перформансами, которые стали важной частью её творчества. В конце 1960-х — начале 1970-х годов она начала заниматься перформансами, используя своё тело как инструмент для самовыражения. Одним из самых известных её перформансов стал «Единорог», где она прикрепила к своему телу огромный рог, создавая образ слабой и уязвимой женщины, ищущей защиты. Этот перформанс стал символом её стремления к преодолению слабости и одиночества, которые она испытала в юности.
«Растяжение рук» — перфоманс, организованный Ребеккой Хорн в 1968 году.
Творчество Ребекки Хорн существенно повлияло на современное искусство, раздвигая границы и предлагая инновационные подходы к восприятию искусства. Её произведения продолжают вдохновлять молодых художников и активисток, а её вклад остаётся значимым в обсуждении прав человека и социальной справедливости.
Луиза Невельсон
Луиза Невельсон, родившаяся в 1899 году в Переяславе Полтавской губернии, стала одной из самых влиятельных скульпторов XX века. Её творчество, характеризующееся монументальными монохромными деревянными элементами, оказало значительное влияние на развитие скульптуры и современного искусства.
«Небесный собор» — скульптура, созданная Луизой Невельсон в 1958 году.
Одним из ключевых достижений Луизы Невельсон является её способность создавать монументальные композиции из найденных объектов. В ранних работах, сделанных под влиянием кубизма, сюрреализма и дадаизма, она экспериментировала с материалами, включая в свои композиции найденные предметы. Это позволило ей создать уникальные произведения, которые бросали вызов традиционным представлениям о скульптуре и искусстве.
Одним из самых известных произведений Невельсон является «Небесный собор» (1958) — деревянный абстрактный пространственный коллаж из 116 коробов, заполненных деревянными архитектурными фрагментами. Эта работа стала символом её уникального стиля и подхода к скульптуре, который сочетал в себе абстрактные формы и найденные объекты.
«Каскад VI» — скульптура, созданная Луизой Невельсон в 1979 году.
Невельсон также известна своими монументальными уличными скульптурами, которые стали памятниками жертвам Холокоста. Работы «Посвящается шести миллионам I» и «Посвящается шести миллионам II» (1964) демонстрируют её способность использовать искусство для выражения глубоких эмоций и памяти о трагических событиях.
Выставка редко выставляемых коллажей и скульптурных настенных рельефов, созданных Луизой Невельсон в период с 1950-980 годы.
Творчество Луизы Невельсон оказало глубокое влияние на развитие скульптуры и современного искусства. Её работы, представленные в коллекциях ведущих музеев мира, таких как Музей современного искусства и Музей американского искусства Уитни в Нью-Йорке, продолжают вдохновлять новое поколение художников и активисток. Она была удостоена множества престижных наград, включая членство в Американской академии искусств и словесности и почётные степени от ведущих университетов мира.
Невельсон оставила после себя богатое наследие, которое продолжает вдохновлять и вызывать дискуссии о роли искусства в обществе и его способности трансформировать наше восприятие мира.
Кики Смит
Кики Смит, родившаяся в 1954 году в Нюрнберге, Германия, стала одной из самых известных современных американских художниц, работающей в различных жанрах, включая скульптуру, гравюру, инсталляцию и кино. Её творчество, исследующее темы телесности, смертности и культурных табу, оказало значительное влияние на развитие современного искусства и феминистского движения.
«Похититель сердец» — картина, написанная Кики Смит в 2012 году.
Одним из ключевых достижений Кики Смит является её способность создавать скульптуры, которые исследуют человеческое тело и его функции. В своих ранних работах она использовала образы частей тела, создавая платья, шарфы и рубашки с трафаретной печатью. В 1988 году она создала All Souls — пятнадцатифутовую трафаретную печать с повторяющимися изображениями плода, которые она нашла в японском учебнике анатомии. Эта работа стала символом её интереса к человеческому телу и его биологическим процессам.
Обзор выставки с скульптурами Кики Смит в 2021 году.
С середины 1990-х годов Смит начала обращаться к образам животных, используя их как метафору человеческих переживаний. Её скульптуры, такие как «Джерсийские вороны» (1995) и серия гравюр «Белые млекопитающие» (1998), исследуют темы жизни и смерти, а также отношения между человеком и природой. В конце 1990-х годов она начала разрабатывать мотивы сказок и мифов, создавая скульптуры, которые сочетают в себе элементы животного и человеческого мира.
Обзор выставки с работами Кики Смит в 2021 году.
Творчество Кики Смит также включает в себя инсталляции, которые исследуют социальные и политические темы. Например, её медиаинсталляция «Жизнь хочет жить» (1982) была посвящена домашнему насилию над женщинами и включала изображения травм средствами компьютерной томографии и реальные газетные заголовки об убийствах женщинами своих партнёров-насильников. Эта работа стала важным вкладом в борьбу за права женщин и привлечение внимания к проблеме домашнего насилия.
Кики Смит также известна своими гравюрами, в которых она экспериментирует с различными техниками, такими как акватинта. В серии «Синие гравюры» (1999) она создала ореол вокруг Девы Марии и Святого Духа, исследуя темы религии и духовности.
«Женщина и змея с карандашом» — картина, написанная Кики Смит в 2003 году.
Кики Смит — это мощный импульс в современном искусстве, особенно в контексте феминизма и прав женщин. Её работы продолжают вдохновлять новое поколение и остаются актуальными в обсуждении прав человека и социальной справедливости.
Дженни Савиль
Дженни Сэвилл, родившаяся в 1970 году в Кембридже, Великобритания, стала одной из самых известных современных художниц, чьи работы исследуют темы телесности, идентичности и восприятия женского тела. Её стилизованные обнажённые портреты пышных женских тел принесли ей международное признание и сделали её одной из ключевых фигур в современном искусстве.
«План» — картина, написанная Дженни Сэвилл в 1994 году.
Одним из ключевых достижений Дженни Сэвилл является её способность создавать масштабные и мощные изображения женского тела. Её автопортрет Branded (1992), на котором она искажает свой торс и грудь с помощью живописи, стал символом её уникального стиля и подхода к изображению тела. Эти работы, часто сравниваемые с произведениями Люсьена Фрейда, исследуют темы красоты, уродства и культурных табу, связанных с женским телом.
Сэвилл использует масло как основной материал, что позволяет ей создавать реалистичные и одновременно гротескные изображения плоти. Она говорит: «Я рисую плоть, потому что я человек. Если вы работаете с маслом, как я, это происходит само собой. Плоть — это самое прекрасное, что можно нарисовать». Её работы, полные жизни и энергии, бросают вызов традиционным представлениям о красоте и привлекательности.
«Подпертый» — картина, написанная Дженни Сэвилл в 1993 году.
После окончания Школы искусств Глазго в 1992 году, когда Чарльз Саатчи купил все её дипломные работы, Сэвилл стала частью группы «Молодые британские художники» (YBA) вместе с Дэмиеном Хёрстом и Сара Лукас. Это сотрудничество принесло ей международное признание и позволило ей выставляться в ведущих галереях мира.
«Южная сторона/передняя сторона/северная сторона» — картина, написанная Дженни Сэвилл в 1993–1994 году.
В последующие годы Сэвилл продолжала развивать свои образы, размещая несколько фигур в одной композиции. Её автопортрет Propped был продан на аукционе за 12,5 миллиона долларов в 2018 году, что стало рекордом для её работ. Эта картина принесла ей ещё большее признание и укрепила её статус как одной из ведущих художниц современности.
Кароли Шниманн
Кароли Шниманн, родившаяся в 1939 году в Фокс Чейз, Пенсильвания, США, стала одной из самых влиятельных художниц-феминисток XX века. Её творчество, охватывающее перформанс, кино, скульптуру и инсталляцию, исследует темы телесности, сексуальности и гендерной идентичности, бросая вызов патриархальным стереотипам и расширяя границы возможного в искусстве.
«Испарение — 15:00» — коллекция фотографий, созданных Кароли Шниманн в 1974 году.
Одним из ключевых достижений Кароли Шниманн является её способность использовать собственное тело как инструмент для самовыражения и исследования эстетического значения плоти. В серии «Eye Body» (1963) она окрасила своё тело и внедрила его в созданное ею пространство, создав первобытные, конфронтационные и эротичные изображения. Эта работа стала примером феминистского искусства, где тело женщины используется для выражения собственных мыслей и чувств в нетривиальной форме.
«Запрещенные действия — Музейный саркофаг» — коллекция фотографий, созданных Кароли Шниманн в 1979 году.
Шниманн также известна своими перформансами, которые исследуют темы телесности и идентичности. В 1964 году она представила пьесу «Meat Joy», в которой восемь частично обнаженных людей танцуют и играют с различными предметами, включая краски, колбасу и сырую рыбу. Эта работа, описанная как «эротический обряд», стала символом её стремления к освобождению тела и его эстетическому восприятию.
«Учеба на пределе своих возможностей» — фотография, созданная Кароли Шниманн в 1973 году.
В 1967 году Шниманн завершила работу над фильмом «Fuses», который стал первым фильмом в её автобиографической трилогии. В этом фильме она исследует разницу между тем, как женщина изображает собственные половые акты и обычной порнографией, бросая вызов традиционным представлениям о сексуальности и женском теле.
Фейт Рингголд
Фрагмент одеяла, созданного Фейт Рингголд в 1992 году.
Фейт Рингголд, родившаяся в 1930 году, стала одной из самых известных и разносторонних афроамериканских художниц в мире. Её творчество, охватывающее более шестидесяти лет, отражает опыт темнокожей женщины в Америке и исследует темы расового и гендерного равенства, а также свободы творчества.
Одним из ключевых достижений Фейт Рингголд является её способность использовать искусство как инструмент для борьбы с расовой и гендерной дискриминацией. Она активно протестовала против отсутствия афроамериканских художников и женщин-художников в ведущих музеях, включая Музей американского искусства Уитни. В 1970-х годах она основала группу «Студентки и художники за освобождение чёрного искусства», чтобы продвигать творчество афроамериканских художников.
Фейт Рингголд также известна своими монументальными картинами, которые отражают социальные и политические реалии своего времени. В 1967 году она начала работать над серией «Американские люди», которая представляла хаос межрасовых беспорядков в Соединённых Штатах. Эти работы, вдохновлённые «Герникой» Пикассо, стали мощной документацией того времени и оказали влияние на её дальнейшее творчество.
Ещё одним важным мотивом в творчестве Фейт является американский флаг, который она использовала как политический символ. Её работы с флагом вызывали негодование у публики и критиков, но она продолжала использовать его как платформу для выражения своих чувств и мыслей. Флаг для неё — это заряженное поле, на котором все американцы должны иметь возможность размышлять и выражать свои чувства.
Картина, написанная Фейт Рингголд в 1990 году.
В конце 1970-х годов Фейт начала создавать маски и мягкие скульптуры, вдохновлённые африканскими традициями. Её мягкие скульптуры в натуральную величину представляют реальных людей из общества, неизвестных или знаменитых. Эти работы являются самостоятельными произведениями и часто включают множество деталей, каждая из которых имеет богатую предысторию.
Фейт Рингголд также известна своими повествовательными одеялами, которые она начала делать в 1980-х годах. Эти одеяла, вдохновлённые тибетскими танками, стали ещё одним видом холста для создания повествований, рассказывающих истории, охватывающие различные исторические периоды и типы персонажей. Её одеяла часто считаются менее серьёзными произведениями искусства, но они остаются важной частью её творчества.
Фейт Рингголд также является плодовитым автором детских книг и иллюстратором. Её первая книга «Пляж Тар» была опубликована в 1991 году и получила множество призов. Многие из её последующих иллюстрированных детских книг основаны на её одеялах или важных афроамериканских фигурах и историях.
Творчество Фейт Рингголд оказало значительное влияние на современное искусство и борьбу за права человека. Её работы продолжают вдохновлять новое поколение художников и активисток, а её голос остаётся важным в диалоге о правах человека и социальной справедливости.
Вали Экспорт
Вали Экспорт, родившаяся в 1940 году в Линце, Австрия, стала одной из ключевых фигур феминистского искусства XX века. Её творчество, включающее перформансы, фотографии и видео, бросало вызов патриархальным стереотипам и исследовало темы телесности, сексуальности и гендерной идентичности. Экспорт использовала своё тело как инструмент для самовыражения и исследования эстетического значения плоти, создавая провокационные и шокирующие работы, которые бросали вызов традиционным представлениям о женственности и искусстве.
«Невидимые противники» — фотография, созданная Вали Экспорт в 1977 году.
Одним из самых известных перформансов Вали Экспорт стал «Кино: нажми и потрогай» (Tapp-und TastKino, 1968), созданный совместно с австрийским художником Петером Вайбелем. В этом перформансе она гуляла по улицам Вены с картонной коробкой на обнаженной груди, приглашая прохожих потрогать её тело. Этот перформанс стал метафорой на тему вульгарного отношения к женщине и разрушал привычную модель взаимодействия человека с новыми медиа.
«Рождение мадонны» — коллаж, созданный Вали Экспорт в 1976 году.
В 1969 году Вали Экспорт создала скандальный перформанс «Генитальная паника» (Aktionshose: Genitalpanik), в котором она вырезала дыру в области причинного места на джинсах и «продефилировала» по Мюнхенскому музею кино. Этот перформанс стал символом феминистской борьбы и вызвал широкий резонанс в обществе.
Вали Экспорт также известна своими фотографиями, в частности, серией «Конфигурации тела» (Körperkonfiguration, 1972-1976), где она исследовала сочетание уличной архитектуры и женского тела. Эти работы подчеркивали связь между телом и окружающей средой, исследуя темы телесности и идентичности.
«Сенсорный кинотеатр» — перфоманс, созданный Вали Экспорт в 1968 году.
В конце 1970-х годов Вали Экспорт начала работать в сфере видео и кино, создав драматический фильм «Практика любви» (Die Praxis der Liebe, 1985), который был представлен публике на Берлинском международном кинофестивале. Этот фильм стал важным этапом в её творчестве и продолжил её исследование тем телесности и гендерной идентичности.
Люси Липпард
«Шоу дикого искусства» — выставка, демонстрирующая творчество Люси Липпард в 1982 году.
Люси Липпард, родившаяся в 1937 году, стала одной из самых влиятельных фигур в мире искусства XX века. Её карьера, охватывающая более шестидесяти лет, включает в себя активную деятельность в области концептуального искусства, феминизма и культурного активизма. Липпард сыграла ключевую роль в развитии концептуального искусства в Нью-Йорке в 1960-х и 1970-х годах, а также стала важной фигурой в феминистском художественном движении.
Одним из ключевых достижений Люси Липпард является её вклад в развитие концептуального искусства. Её эссе 1968 года «Дематериализация искусства» и книга 1973 года «Шесть лет: дематериализация художественного объекта с 1966 по 1972 год» стали одними из первых работ, в которых описывалась и определялась практика концептуального искусства того времени. В этих работах она исследовала искусство, которое эволюционировало в сторону идей и действий, а не эстетических объектов, и становилось всё более открытым для обсуждения современных проблем. Эти публикации оказали значительное влияние на развитие концептуального искусства и вдохновили многих художников и критиков.
Материализация «Шести лет»: Люси Липпард и появление концептуального искусства, 2012 год.
Люси Липпард также активно участвовала в феминистском художественном движении. Её приверженность феминизму возникла из-за осознания связи искусства с политикой и социальной практикой. Она активно выступала против недостаточного представительства женщин-художниц и критиковала традиционные художественные институты за их патриархальные структуры. Её критические высказывания в многочисленных эссе и книгах, посвящённых феминистским проблемам, обеспечили ей значимое место среди критиков и историков искусства в феминистском движении.
В своих работах Люси Липпард уделяла особое внимание искусству и художественным концепциям, которые не связаны с собственностью и превращением в товар. Её определение искусства было весьма обширным, и её переход от концептуализма к феминизму и, наконец, к лэнд-арту и американскому ландшафту демонстрирует, как её политические взгляды повлияли на её подход к писательству.
Марта Рослер
Базель, вид инсталляции, созданный Мартой Рослер в 2022 году.
Марта Рослер, родившаяся в 1943 году в Бруклине, стала одной из самых влиятельных фигур в мире искусства XX века. Её творчество, охватывающее фотографию, видео, инсталляцию и текст, исследует темы социальной справедливости, критики власти, публичного пространства и СМИ, а также места женщины в обществе. Рослер активно участвовала в борьбе за гражданские права и феминизм, используя искусство как инструмент для борьбы с социальными и политическими проблемами.
Одним из ключевых достижений Марты Рослер является её серия работ «Война с доставкой на дом: дом, милый дом» (House Beautiful: Bringing the War Home, 1967-1972), в которой она использовала метод фотомонтажа, сопоставляя два противоположных явления: войну и мир. На одной из фотографий серии изображена девушка, выполняющая привычную домашнюю работу, которая отдергивает штору — и перед ней открываются военные сцены. Эта работа разрушала миф о том, что война не связана с повседневной жизнью американцев, и показывала, что именно ужас войны и страх смерти делают для людей их дома такими уютными и милыми.
«Теплица или гарем» — фотоколлаж из коллекции «Тело прекрасно или красота не знает боли» созданный Мартой Рослер в 1966–1972 года.
Марта Рослер также известна своими фотоколлажами, посвященными женщинам, патриархальной культуре и власти глянца. В серии «Красивое тело, или Красота не знает боли» (Body beautiful, or Beauty knows no Pain, 1966-1972) она собирала вырезки из глянцевых журналов, чтобы показать шаблонную женскую «неотразимость» — точёные фигуры, идеальные пропорции без малейших изъянов. Но на одной из фотографий серии автор располагает части тела на холодильнике, как магнит, на посудомоечной машине и электрической плите, чтобы показать, что «самое главное предназначение» женщины в этой жизни — готовить обеды и стирать белье.
В 1974 году Марта Рослер создала свою самую известную видеоработу «Семиотика кухни» (Semiotics of the Kitchen), в которой она играет роль телеведущей, демонстрирующей кухонную утварь и внятно, с расстановкой проговаривает названия отдельных предметов. Эта работа стала способом раскрыть обыденную жизнь, в которой женщине с самого рождения уготована роль «хранительницы домашнего очага».
Линда Бенглис
«Фантом» — скульптура, созданная Линдой Бенглис в 1971 году.
Линда Бенглис, родилась в 1941 году в Луизиане. Она одна из самых влиятельных художниц XX века. Её работы, включая скульптуру, инсталляцию и перформанс, исследуют телесность, сексуальность и гендерную идентичность, бросая вызов традиционным представлениям о красоте и искусстве.
В своих ранних работах она использовала воск и латекс, создавая скульптуры, которые бросали вызов минимализму и его упрощенным формам. В 1970-х годах она перешла к крупным скульптурам из полиуретана, а затем к позолоченному цинку и алюминию, создавая уникальные и яркие произведения, которые привлекали внимание зрителей.
«Плеяды» — скульптура, созданная Линдой Бенглис в 1982 году.
В 1974 году Линда Бенглис снялась в серии фотографий, которые пародировали типичный мужской взгляд на женщин. Для заключительной фотографии цикла она позировала обнаженной, что привлекло внимание общественности и стало символом её борьбы с патриархальными стереотипами в искусстве. Эта работа стала важным вкладом в феминистское движение и борьбу за права женщин.
Линда Бенглис также известна своими экспериментами с видеоартом. Вместе с Робертом Моррисом она создала ряд видеофрагментов, в которых исследуется эстетика отвлечения. Эти работы стали важным этапом в развитии видеоарта и перформанса, расширяя границы возможного в искусстве.
Синди Шерман
Фотография из коллекции «Untitled Film Still № 11» созданная Синди Шерман в 1982 году.
Синди Шерман, родилась в 1954 году. Она стала одной из самых влиятельных художниц XX века, чьи работы бросают вызов традиционным представлениям о красоте, идентичности и искусстве.
Одним из ключевых достижений Синди Шерман является её способность создавать масштабные и мощные изображения женского тела. Её серия работ «Untitled Film Stills» (1977-1980) стала символом её уникального стиля и подхода к изображению тела. Эти работы, состоящие из 69 черно-белых фотографий, представляют собой переработку главных женских образов кинематографа, от американского нуара до итальянского неореализма. Они стали мощным документом того времени и оказали влияние на её дальнейшее творчество.
Фотография из коллекции «Untitled Film Still № 53 » созданная Синди Шерман в 1982 году.
Синди Шерман также известна своими фотоколлажами, посвященными женщинам, патриархальной культуре и власти глянца. В серии «Красивое тело, или Красота не знает боли» (1966-1972) она собирала вырезки из глянцевых журналов, чтобы показать шаблонную женскую «неотразимость» — точёные фигуры, идеальные пропорции без малейших изъянов. Но на одной из фотографий серии автор располагает части тела на холодильнике, как магнит, на посудомоечной машине и электрической плите, чтобы показать, что «самое главное предназначение» женщины в этой жизни — готовить обеды и стирать белье.
Фотография из коллекции «Untitled Film Still № 4» созданная Синди Шерман в 1982 году.
В 1974 году Синди Шерман создала свою самую известную видеоработу «Семиотика кухни» (Semiotics of the Kitchen), в которой она играет роль телеведущей, демонстрирующей кухонную утварь и внятно, с расстановкой проговаривает названия отдельных предметов. Эта работа стала способом раскрыть обыденную жизнь, в которой женщине с самого рождения уготована роль «хранительницы домашнего очага».
Джуди Чикаго
«Званый ужин» — перфоманс, организованный Джуди Чикаго в 1978 году.
Джуди Чикаго, родилась в 1939 году, — влиятельная художница XX века. Её работы, включая инсталляции и перформансы, исследуют женскую идентичность и социальную справедливость по отношению к ним, оказывая значительное влияние на феминистское искусство.
Одним из ключевых достижений Джуди Чикаго является её знаменитая инсталляция «Званый ужин» (1979), которая стала символом борьбы за признание роли женщин в истории человечества. Эта работа, представляющая собой накрытый белой скатертью треугольный стол, сервированный для более чем 1 тыс. великих женщин, оставивших след в мировой истории, вызвала насмешки со стороны критиков-мужчин, но стала важным вкладом в феминистское движение.
«Коронация» — перфоманс, организованный Джуди Чикаго в 2009–2012 году.
Джуди Чикаго также известна своими экспериментами в области минимализма и исследованием последствий экологической катастрофы. Её работы, такие как «Конец. Размышление о смерти и вымирании», исследуют темы смертности и вымирания, используя красоту как способ помочь зрителю взглянуть на аспекты реальности, с которыми было бы слишком больно сталкиваться.
Guerrilla Girls
Девушки-партизанки в Центре искусств Абронс. Фото Эндрю Хиндрейкера. 2015 год.
Guerrilla Girls, анонимная группа арт-феминистских активисток, основанная в 1985 году в Нью-Йорке, стала одной из самых влиятельных организаций в борьбе за гендерное и расовое равенство в мире искусства. Их деятельность, охватывающая плакаты, рекламные щиты, перформансы, акции протеста и лекции, оказала значительное влияние на развитие феминистского искусства и борьбу за права женщин.
Одним из ключевых достижений Guerrilla Girls является их способность привлекать внимание к недостаточной представленности женщин-художниц в мире искусства. Их плакаты, такие как «Неужели женщины должны быть голыми, чтобы попасть в музей Метрополитен?» (1989), использовали юмор и сатиру, чтобы привлечь внимание к проблеме. Этот плакат, на котором изображено тело «Большой одалиски» Энгра, совмещённое с разъярённой мордой гориллы, стал символом их борьбы за равенство.
Guerrilla Girls также известны своими акциями протеста и перформансами, которые привлекали внимание к дискриминации в мире искусства. Их использование масок горилл и псевдонимов, таких как Фрида Кало, Гертруда Стайн и Кете Кольвиц, усиливало театральность их публичных выступлений и позволяло им сохранять анонимность, защищая свою профессиональную репутацию.
В последние годы Guerrilla Girls расширили свою деятельность за пределы мира искусства, критикуя дискриминацию в Голливуде, политике и других сферах. Их тактика остаётся радикальной, и они продолжают напоминать миру искусства, что ему ещё предстоит пройти долгий путь к равенству.
Барбара Крюгер
«Слежка — это ваша напряженная работа» — плакат, созданный Барбарой Крюгер в 1983 году.
Барбара Крюгер, родившаяся в 1945 году, стала одной из самых влиятельных художниц XX века, чьи работы бросают вызов патриархальным стереотипам и исследуют темы власти, сексуальности и гендерной идентичности. Её творчество, охватывающее плакаты, инсталляцию и перформанс, оказало значительное влияние на развитие современного искусства и феминистского движения.
Одним из ключевых достижений Барбары Крюгер является её способность использовать текст и изображение для создания мощных и провокационных работ. Её ранние произведения, такие как «Без названия» («Я покупаю, следовательно существую») (1987) и «Без названия» («Твое тело — поле битвы») (1989), стали символами её уникального стиля и подхода к искусству. Эти работы, часто использующие крупные буквы и яркие цвета, бросали вызов традиционным представлениям о красоте и привлекательности.
«Вы правы, и Вы Это Знаете (Как И Все Остальные)» — плакат, созданный Барбарой Крюгер в 2010 году.
Барбара Крюгер также известна своими плакатами, которые стали символом её борьбы за равенство и социальную справедливость. Её работа «Твое тело — поле битвы» (1989) стала символом феминистской борьбы и борьбы за репродуктивные права женщин. Эта работа, созданная накануне демонстрации в Вашингтоне против запрета абортов, продолжает оставаться актуальной и сегодня.
Марина Абрамович
«Кухня. Посвящение святой Терезе» — серия фотопортретов, созданных Мариной Абрамович в 2009 году.
Марина Абрамович, родившаяся в 1946 году в Белграде, стала одной из самых влиятельных художниц XX века, чьи работы бросают вызов традиционным представлениям о красоте, идентичности и искусстве. Её творчество, охватывающее перформанс, инсталляцию и видео, исследует темы телесности, сексуальности и гендерной идентичности, а также бросает вызов патриархальным стереотипам и расширяет границы возможного в искусстве.
«Ритм 0» — перфоманс, организованный Мариной Абрамович в 1974 году.
Одним из ключевых достижений Марины Абрамович является её способность использовать собственное тело как инструмент для самовыражения и исследования эстетического значения плоти. В своих ранних работах она использовала образы частей тела, создавая платья, шарфы и рубашки с трафаретной печатью. В 1988 году она создала All Souls — пятнадцатифутовую трафаретную печать с повторяющимися изображениями плода, которые она нашла в японском учебнике анатомии. Эта работа стала символом её интереса к человеческому телу и его биологическим процессам.
«Отношения во времени» — перфоманс, организованный Мариной Абрамович в 1977 году.
Марина Абрамович также известна своими экспериментами с видеоартом. Вместе с Робертом Моррисом она создала ряд видеофрагментов, в которых исследуется эстетика отвлечения. Эти работы стали важным этапом в развитии видеоарта и перформанса, расширяя границы возможного в искусстве.
Дженни Хольцер
Световая инсталляция для показа Off-White на Pitti Uomo, созданная Дженни Хольцер в 2017 году.
Дженни Хольцер, родившаяся в 1950 году, стала одной из самых влиятельных художниц XX века, чьи работы бросают вызов традиционным представлениям о красоте, идентичности и искусстве. Её творчество, охватывающее инсталляцию, скульптуру и перформанс, исследует темы телесности, сексуальности и гендерной идентичности, а также бросает вызов патриархальным стереотипам и расширяет границы возможного в искусстве.
«Картины из пыли» — деталь из одной из работ серии, созданной Дженни Хольцер в 1977–2001 года.
Одним из ключевых достижений Дженни Хольцер является её способность использовать текст и изображение для создания мощных и провокационных работ. Её ранние произведения, такие как «Без названия» («Я покупаю, следовательно существую») (1987) и «Без названия» («Твое тело — поле битвы») (1989), стали символами её уникального стиля и подхода к искусству. Эти работы, часто использующие крупные буквы и яркие цвета, бросали вызов традиционным представлениям о красоте и привлекательности.
«Воспитательное эссе» — деталь из одной из работ, созданной Дженни Хольцер в 2018 году.
Дженни Хольцер также известна своими экспериментами с видеоартом. Вместе с Робертом Моррисом она создала ряд видеофрагментов, в которых исследуется эстетика отвлечения. Эти работы стали важным этапом в развитии видеоарта и перформанса, расширяя границы возможного в искусстве.
Заключение
Фотография предоставлена стоковым ресурсом.
Исследование влияния второго феминистского движения на искусство 1970-х годов показало, что творчество женщин сыграло ключевую роль в борьбе за равенство и признание в мире искусства. Их работы стали выражением женских голосов и борьбы с патриархальными стереотипами, что привело к значительным изменениям в восприятии искусства и роли женщин в нём.
Творчество женщин преодолело невидимость, с которой они сталкивались в истории искусства, и благодаря феминистскому движению их работы получили признание. Они расширили границы художественного выражения, используя новые медиа и подходы, такие как перформанс, видео, фотография и инсталляция. Феминистское искусство 1970-х годов стало отражением глубоких социальных изменений и способствовало трансформации общества и борьбе за равенство. Опыт женщин тех лет стал источником вдохновения для современных художников и активисток. Их влияние и до сих пор продолжает ощущаться в современном искусстве, и культуре, изменяя восприятие женской идентичности и роли женщин в обществе.
Источники статей и изображений
From 1971: Why Have There Been No Great Women Artists?[Электронный ресурс]//Аrtnews[сайт]. URL:https://www.artnews.com/art-news/retrospective/why-have-there-been-no-great-women-artists-4201/ (дата обращения 14.11.2025)
Арт-феминизм[Электронный ресурс]//Ruwiki[сайт]. URL:https://ru.ruwiki.ru/wiki/Арт-феминизм (дата обращения 14.11.2025)
Annette Meyers[Электронный ресурс]//Мeyers Мysteries[сайт]. URL:https://meyersmysteries.com/ (дата обращения 14.11.2025)
Annette Meyers[Электронный ресурс]//Wikipedia[сайт]. URL:https://en.wikipedia.org/wiki/Annette_Meyers#cite_note-: 1-4(дата обращения 14.11.2025)
The Big Kill[Электронный ресурс]//Wikipedia[сайт]. URL:https://en.wikipedia.org/wiki/The_Big_Kill(дата обращения 14.11.2025)
Писатели[Электронный ресурс]//Picabu[сайт]. URL:https://pikabu.ru/tag/Писатели%2СЧерно-белое%20фото (дата обращения 14.11.2025)
Женское начало в искусстве семидесятых[Электронный ресурс]//Theartnewspaper[сайт]. URL:https://www.theartnewspaper.ru/posts/4792/(дата обращения 15.11.2025)
Ивекович Саня[Электронный ресурс]//Wikipedia[сайт]. URL:https://ru.wikipedia.org/wiki/Ивекович, _Саня (дата обращения 15.11.2025)
Голдин, Нан[Электронный ресурс]//Wikipedia[сайт]. URL:https://ru.wikipedia.org/wiki/Голдин, _Нан (дата обращения 15.11.2025)
Nan Goldin[Электронный ресурс]//Wikipedia[сайт]. URL:https://en.wikipedia.org/wiki/Nan_Goldin(дата обращения 16.11.2025)
Hannah Wilke[Электронный ресурс]//Wikipedia[сайт]. URL:https://en.wikipedia.org/wiki/Hannah_Wilke(дата обращения 16.11.2025)
Shirin Neshat[Электронный ресурс]//Wikipedia[сайт]. URL:https://en.wikipedia.org/wiki/Shirin_Neshat(дата обращения 16.11.2025)
Yoko Ono[Электронный ресурс]//Wikipedia[сайт]. URL:https://en.wikipedia.org/wiki/Yoko_Ono(дата обращения 16.11.2025)
Музыка разума: ретроспектива Йоко Оно в Тейт Модерн[Электронный ресурс]//Theartnewspaper[сайт]. URL:https://www.theartnewspaper.ru/posts/20240326-qnty/(дата обращения 16.11.2025)
Хорн, Ребекка[Электронный ресурс]//Wikipedia[сайт]. URL:https://ru.wikipedia.org/wiki/Хорн, _Ребекка (дата обращения 16.11.2025)
Ребекка Хорн[Электронный ресурс]//Hsedesign[сайт]. URL:https://hsedesign.ru/project/8df6aec631c048db9ef54f87d97463af(дата обращения 16.11.2025)
Луиза Невельсон: «Я создала свой собственный мир…"[Электронный ресурс]//Livemaster[сайт]. URL:https://www.livemaster.ru/topic/782749-luiza-nevelson-ya-sozdala-svoj-sobstvennyj-mir(дата обращения 16.11.2025)
Jenny Saville[Электронный ресурс]//Artnet[сайт]. URL:https://www.artnet.com/artists/jenny-saville/(дата обращения 16.11.2025)
Кароли Шниманн[Электронный ресурс]//Сontemporary-artists[сайт]. URL:http://contemporary-artists.ru/Carolee_Schneemann.html(дата обращения 16.11.2025)
Как афроамериканка 60 лет создавала стёганые одеяла и покорила мир: Непревзойдённая Фейт Рингголд[Электронный ресурс]//Kulturologia[сайт]. URL:https://kulturologia.ru/blogs/101021/51126/(дата обращения 15.11.2025)
Вали Экспорт[Электронный ресурс]//Artifex[сайт]. URL:https://artifex.ru/перформанс/вали-экспорт/(дата обращения 15.11.2025)
Lucy R. Lippard[Электронный ресурс]//Theartstory[сайт]. URL:https://www.theartstory.org/critic/lippard-lucy/(дата обращения 15.11.2025)
Бессильная и всемогущая Марта Рослер[Электронный ресурс]//Artifex[сайт]. URL:https://artifex.ru/фотография/марта-рослер/(дата обращения 15.11.2025)
Линда Бенглис[Электронный ресурс]//Artifex[сайт]. URL:https://artifex.ru/скульптура/линда-бенглис/(дата обращения 14.11.2025)
Синди Шерман от А до Я[Электронный ресурс]//Theblueprint[сайт]. URL:https://theblueprint.ru/culture/art/cindy-sherman(дата обращения 14.11.2025)
Miss Dior by Judy Chicagol[Электронный ресурс]//Judychicago[сайт]. URL:https://judychicago.com/(дата обращения 14.11.2025)
Джуди Чикаго: «Мое творчество нельзя понять, опираясь на прежние каноны»[Электронный ресурс]//Theartnewspaper[сайт]. URL:https://www.theartnewspaper.ru/posts/20240304-khdo/(дата обращения 14.11.2025)
The Guerrilla Girls[Электронный ресурс]//Theartstory[сайт]. URL:https://www.theartstory.org/artist/guerrilla-girls/(дата обращения 14.11.2025)
Барбара Крюгер: «Слава богу, я художник, а не какой-нибудь блогер, тиктокерша или кинозвезда»[Электронный ресурс]//Theartnewspaper[сайт]. URL:https://www.theartnewspaper.ru/posts/20210914-vwbe/(дата обращения 14.11.2025)
Дженни Хольцер: «Мне нравятся таинственные истории»[Электронный ресурс]//Theartnewspaper[сайт]. URL:https://www.theartnewspaper.ru/issues/58-noiabr-2017/(дата обращения 14.11.2025)
