Медиа-арт в театрах России

Новые медиа стали активно развиваться во второй половине 20 века, после того, как в мире произошли серьезные потрясения и осознания. Театр — как одно из самых главных отражений действительности — начал стремительно меняться и искать альтернативные способы выражения. Появлялись и повсеместно применялись современные технологии, а медиа-арт совершил рывок вперед и затронул некогда «традиционную» сцену. Режиссеры искали новые и свежие решения, чтобы интерпретировать классику на современный лад и быть ближе к реальности (а в некоторых случаях наоборот —максимально отдалиться от нее и уйти в постмодернизм), на замену сложным механизмам внутри сцены, детальным костюмам, профессиональным актерам пришли экраны, видео, «театр без актера», а также взаимодействие со зрителем, сотрудничество с медиа-художниками и внедрение их технологий в среду театра.

Теперь диалог со зрителем режиссеры строят разными способами — звуками, светом, движениями, проекцией, но все реже используют для этого прямой текст. Большую популярность приобрели иммерсивные спектакли — в них зритель становиться частью действия, может влиять на исход сюжета, а самое главное — прожить ситуацию, нетипичную для его жизни, и тем самым приобрести новый опыт и эмоциональные ощущения. Появились и другие жанры, такие как документальный театр, моноспектакль, пластический (или перформативный) театр. Везде режиссеры по-новому взаимодействуют со сценой и декорациями, переосмысляя и расширяя это пространство за счет технологий — внедрение нового в традиционное стало главной задачей. Например, на сцене стали активно использоваться экраны с видео. Одним из первых к этому пришел немецкий режиссер Франк Касторф. Его спектакли по истине можно назвать «реалити-шоу», так как изображение транслировало все, что происходит с героями спектакля, в том числе за кулисами, позволяя зрителям увидеть обратную, «настоящую» сторону. Подобный спектакль, «Мастер и Маргарита», включал в себя как и видео, записанные ранее, так и прямые трансляции с закулисья. [2]

В Европе и США интеграция медиа в театр происходила активнее, чем в России. Наши соотечественники цепляли приемы из нового кинематографа, обращали внимание на монтаж и кадрирование, старались перекладывать эти приемы на сцену. Медиа-арту в театрах России дали начало режиссеры, которые благодаря своей смелости и новому подходу открыли для нашего зрителя не только современный кинематограф, но и современный театр. Основоположниками мы можем назвать Всеволода Мейерхольда и Сергея Эйзенштейна — именно они являлись новаторами своего времени в области кино и театра и создавали невероятные авангардистские постановки. [3]

В визуальном исследовании я хочу изучить, как шел процесс становления медиа на российскую сцену. Какие технологии и образы применяются, как современное сталкивается с традиционным в реалиях нашей страны? Как интерпретируют классику современные режиссеры в России и что нового создают? И как же взаимодействует со всем этим наш зритель? Давайте рассмотрим спектакли в нескольких самых популярных театрах России и найдем ответы на данные вопросы вместе.

Сергея Эйзенштейна называют режиссером-новатором, так как он не боялся использовать самые смелые эксперименты в своих работах. Именно благодаря нему в театре СССР впервые произошел контакт с технологиями.

Эйзенштейн снял короткометражный фильм «Дневник Глумова» (1923 г.), который изначально задумывался как часть театральной постановки и был показан в спектакле «Мудрец» (по комедии А. Островского «На всякого мудреца довольно простоты»). И в фильме, и в постановке режиссер использовал метод «монтажа аттракционов» — способ удивлять зрителя с помощью неожиданных поворотов в сюжете и динамичных монтажных склеек. Спектакль состоял из небольших сценок, в которых актеры пели, танцевали и выполняли трюки, одним из «аттракционов» была киновставка «Дневник Глумова». [4]

Таким образом, в отечественном театре впервые произошло смешение жанров и попытка использовать современные технологии для расширения сцены и действия. Конечно, это находится далеко от привычного нам медиа-арта, но несомненно является важным историческим пунктом в использовании видео в театре России.

Театр на Таганке можно назвать одним из самых авангардных в стране. В 1964 году руководителем стал Юрий Любимов, который перевернул представление о традиционном театре. Все его постановки начинали взаимодействовать со зрителем до начала спектакля и за пределами сцены — на самом входе в театр, в вестибюле, во время антракта. Подобно Эйзенштейну, Любимов называл это «набором аттракционов». [5]

Например, действие «Десять дней, которые потрясли мир» (1965 г.), начиналось на входе, где посетителей встречали солдаты и проверяли билеты, накалывая их на штык, а на сцене использовали настоящие выстрелы холостыми патронами.

Ещё одним спектаклем, погружающем в атмосферу времени был «А зори здесь тихие» (1971 г.): «Вместо привычного звонка перед началом спектакля зрители слышали вой сирены, напоминающий о воздушной тревоге и бомбоубежищах. Вход в зал был завешен огромным куском брезента — входили, поклонившись. На лестнице, которая вела на второй этаж, горели снарядные гильзы с керосином». [5]

В других спектаклях Юрий Любимов также активно использовал разные инструменты для взаимодействия со зрителем. В «Жизни Галилея» (1966 г.) потолок зала напоминал купол звездного неба, точечные световые прожектора резали «светом новых истин» глаза сидящих в партере, а в «Преступлении и наказании» (1979 г.) перед тем, как попасть в зал, зрители проходили через комнату старухи-процентщицы, проделывая путь Раскольникова. [5]

Всё это дает предпосылки к современному иммерсионному театру и выход сцены за собственные рамки, позволяя зрителю прожить новый опыт и получить ощущения с помощью всех органов чувств.

Теперь, когда мы посмотрели, как было раньше, давайте переместимся в XXI век. Конечно, произошёл большой скачок вперед в освоении техники и применении новых технологий во всех сферах жизни. В театрах сменился фокус с изображения реальности на чувства, эмоции, внутренние состояния, а авторы все чаще экспериментируют с пространством сцены, которое стало очень пластичным и подвижным. Окружение теперь занимает такую же важную, если не большую, роль, как и актеры.

Что показывают в Театре на Таганке сейчас? Режиссеры не перестают удивлять публику необычными и смелыми постановками.

В 2018 году состоялась премьера спектакля «Беги, Алиса, Беги» режиссера Максима Диденко по мотивам радиопьесы В. Высоцкого «Алиса в Стране чудес» (1976 г.). Постановка содержит в себе невероятные костюмы и огромные декорации, а всю абсурдность происходящего подчеркивают фото- и видеопроекции на полу и заднем плане.

Актеры живут в этой проекции и взаимодействуют с ней, глубже погружаясь в нее и затягивая с собой зрителя. Вся сцена начинает походить на сюрреалистичную картину или коллажный анимационный мультфильм, стирая грань между реальностью.

Ещё один сюрреалистичный спектакль Таганки — «Золотой дракон» (2015 г.) Валерии Сурковой, созданный по одноименной работе немецкого драматурга Роланда Шиммельпфеннинга. [6]

На сцене мы видим, как по разному можно использовать проекцию на стене: для текста и субтитров; для видео, в режиме реального времени; для коллажирования и монтажных склеек; для перемещения героев в другие пространства.

Очень интересно, как за счет хромакея, который создается с помощью зеленой краски, появляется можно сказать прямое взаимодействие актера и технологии. Мы видим «двойную» проекцию, одну — на стенах декорации, а вторую — на теле героев внутри уже транслируемого видео.